El Crepúsculo de los Dioses

"Yo soy grande. Son las películas las que se han hecho pequeñas" (Norma Desmond)

El crepúsculo de los Dioses o Sunset Boulevard es considerado hoy uno de los clásicos del cine de la época dorada de Hollywood. En castellano se estrenó con distintos nombres dependiendo de los países: El ocaso de una vida (México), El ocaso de una estrella (Argentina). En España fue titulada El crepúsculo de los dioses.

En el momento de su estreno en 1950, esta pelicula fue muy bien acogida por la crítica y aunque fue nominada a once Óscar, ganó solamente tres que fueron Mejor Dirección Artística y Ambientación (blanco y negro) de Hans Dreier, John Meehan, Sam Comer y Ray Moyer; Mejor Banda Sonora para una película no musical de Franz Waxman y Mejor Guión original de Charles Brackett, D.M. Marshman Jr. y Billy Wilder el cual además de dirigir participó también en el guión.

Las otras categorías a las que fue nominada la película son las siguientes: Mejor Película, Mejor Director (Billy Wilder), Mejor Actor Protagonista(William Holden ,Mejor Actor de Reparto (Erich von Stroheim), Mejor Actriz Protagonista (Gloria Swanson), Mejor Actriz de Reparto (Nancy Olson), Mejor Fotografía /blanco y negro (John F. Seitz) y Mejor Montaje (Arthur P. Schmidt y Doane Harrison).

El crepúsculo de los Dioses, es de ese tipo de películas que parecen ser intrascendentes pero que sin duda alguna se sumerge en todo un mundo soterrado de lo que fue Hollywood en el momento de transición del cine mudo al sonoro. Este cambio produjo una catarsis inmediata, y una rebelión entre aquellos que hasta el momento habían sido estrellas rutilantes.

El cine sonoro conllevó la caída de actores como Valentino, y provocó la ira de directores o actores como Charles Chaplin que sentenció "con la llegada de la palabra el cine ha muerto". Muchos actores no pudieron ni supieron adaptarse a ese cine sonoro, que dió paso a muchas estrellas, algunas de las cuales quedaron en la nada y otras por el contrario dieron sus primeros pasos en esa època y han quedado para la posteridad, es el caso de Montgomery Clift, Clark Gable (al que más tarde nombrarían EL REY) o Gary Cooper y en el lado femenino la gran Greta Garbo, Barbara Lamarr o Norma Shearer.


En esta película Billy Wilder, sabe introducir un cierto aire de patetismo presente en todo momento, un patetismo propio de los "juguetes rotos" que siguen viviendo en su propia fantasía, en una inmensa mentira, una locura sin fin que termina en la mayoría de los casos fatalmente. Muchos de esos "juguetes rotos" en la realidad tuvieron un final trágico, como fue el caso de Florence o Baggot ambos cayeron en una espiral de alcohol y soledad hasta que acabaron suicidándose, no pudiendo soportar el haber caído en el olvido.

En el caso de El crepúsculo de los Dioses, la protagonisa Norma Desmond (interpretada por Gloria Swanson) es una actriz retirada de los circuitos, una de las víctimas de la llegada del cine sonoro que sigue soñando con su rutilante carrera, cuando realmente está sentenciada y considerada un personaje patético . Incapaz de aceptar que sus días de gloria pasaron, sueña con un retorno triunfante a la gran pantalla, para el cual espera contar con la ayuda de Joe Gillis (William Holden), un guionista al que convierte en su amante. Se aferra a Joe al que quiere recluír en su vieja mansión como una forma de agarrarse a la vida, a la juventud perdida, y todo lo paga con dinero, el amor, la compañía y la mentira de la vida que es su vida, que tiene como telón de fondo una vieja mansión, reflejo de la decadencia de la misma Norma.

El personaje que encarna William Holden es mezquino y refleja los efectos perversos de pagar amor y compañía con dinero. De todos modos a su manera es un personaje que como Norma Desmond tiene muchos demonios interiores y una locura no tan extrema como la de la "vieja rutilante estrella" pero que sin duda hace inevitable su final. Joe, encuentra al fin la manera de salvarse, de regenerar su existencia patética, de asirse a la vida a través del amor (se enamora de una joven guionista interpretada por Nancy Olson), pero quizás es demasiado tarde para él.

Eric Von Strohein que interpreta al mayordomo de la estrella en principio es el personaje más fiel a si mismo. Entregó su vida y su fama por amor (pero un amor loco y obsesivo que hasta provoca su propia humillación profesional y personal). Toda su vida se reduce ahora a fomentar la locura y la fantasía de Norma. Él mismo crea y recrea para Norma Desmond y los demás una ensoñación de glamour y fantasía (escribe falsas cartas de admiradores que no existen, invitaciones a fiestas, etc).

La escena final, es sin duda no sólo la mayor "mentira" de toda la película, sino que es la mejor desde el punto de vista simbólico. El descenso de Norma a los infiernos bajando por las escaleras, el infierno de su locura. Norma Desmond, como si de una escena de película se tratara baja contenta de que al fin de nuevo todos la miren pero no por admiración (como cree ella en su locura) sino con pena y horror. Sólo cuenta con la mirada tierna y sincera de Max (Eric Von Strohein).


Es una película brillante técnicamente pero también lo es por la propia historia( de planteamiento circular) que nos presenta. Es un filme para reflexionar sobre la Fama y la autodestrucción de las personas al no aceptar la nueva realidad que sacude su vida al convertirse en"juguetes rotos". Pero también plantea otros temas como el poder regenerador del amor (Nancy Olson) o su poder destructivo ( Eric Von Strohein) que alimentando una mentira ayuda a que la locura se apodere de Norma. Y al mismo tiempo nos habla de que a veces puede ser tarde para volver atrás los errores cometidos ya que acabamos siendo prisioneros de ellos.

1979/2001] "Apocalypse Now" - REDUX TRAILER

El retrato de Dorian Gray

“Y todo había sido como tiene que ser el arte, inconsciente, ideal y lejano".

Dentro de unas cuantas semanas se estrenará en nuestras salas de cine, EL RETRATO DE DORIAN GRAY. Con este motivo me gustaría hacer una breve reflexión sobre uno de mis libros favoritos.

A decir verdad la primera obra que llegó a mis manos de Oscar Wilde, fue LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE ERNESTO y posteriormente EL ABANICO DE WILDEMERE. Dos obras de teatro de diferente tono y orientación, pero que sin duda encierran en sí uno de los “divertimentos” preferidos de Wilde, escandalizar a la burguesía de su época ( y también a los críticos poco acostumbrados al “verdadero arte” como el lo llamaría).

En ambas obras es necesario hacer una lectura entre líneas ya que sino se capta la fina ironía del texto en sí, se puede llegar a pensar que se trata de una obra muy vanal y superficial, pero sin duda vemos que ello está muy lejos de ser la realidad del mensaje de ambas piezas teatrales, ya que Wilde no sólo muestra su gran talento, sino también su acérrima crítica a la sociedad victoriana del s. XIX, la que más tarde lo condenaría y desterraría por inmoral.

Sin embargo fue con el RETRATO DE DORIAN GRAY, con el que llegué a tener una gran admiración por este autor.

Publicada en forma de folletón por primera vez en el Lippincott's Monthly Magazine el 20 de junio de 1890 , a día de hoy es considerada una de las últimas obras clásicas de novela gótica. El libro causó controversia cuando fue publicado por primera vez; pero hoy ya nadie duda que es "uno de los clásicos modernos de la literatura occidental."

De hecho dicha contorversia se vio reflejada en las duras columnas que los críticos de los principales periódicos de le época le dedicaron; los adjetivos más comunes de los críticos para referirse a ella fueran términos como “exótica” (en el mejor de los casos), “insana” “morbosa” “empalagosa”, “nauseabunda”, “afeminada”, “sucia”, “contaminante” y por supuesto el término favorito da la sociedad victoriana “inmoral”.

Todas estas críticas están claramente relacionadas con los tintes homoeróticos de la novela, que causaron mucha sensación entre los críticos de la época victoriana, cuando fue publicado por primera vez. Su percepción sobre el hedonismo y por la distorsionada imagen que tenía de la moral convencional fueron sin dudas bastiones fijos de las críticas . El Daily Chronicle el 30 de junio de 1890 mencionaba que la novela de Wilde tenía "un elemento [...] que mancharía cada mente joven que se pusiera en contacto con ella."

Sin embargo, al contrario que los críticos de ese momento, y como dijo el mismo Wilde en diversas cartas dirigidas a éstos, es una obra, una historia con moraleja.

“Todo exceso así como toda renuncia, lleva en si su propio castigo” (Oscar Wilde, en su carta al Director del Saint James´s Gazette).


Es en Dorian Gray donde se refleja como “todo poder debe ser ejercido gran responsabilidad” y los excesos en la utilización de este pueden tener consecuencias totalmente nefastas, para el entorno y para el mismo poseedor.

“En toda distinción física e intelectual hay una fatalidad. Es mejor no distinguirnos de nuestros prójimos. En este mundo el feo y el estúpido se llevan la mejor parte. Pueden quedarse sentados a sus anchas, contemplando el espectáculo. Aún cuando no conozcan la victoria, al menos se libran de conocer la derrota. Viven como deberíamos vivir todos, tranquilos, indiferentes y sin inquietudes. No traen la desgracia a los demás, ni la reciben de manos ajenas. Tu rango y tu riqueza Harry, mi cerebro tal y como es….la belleza de Dorian Gray…los tres sufriremos por lo que los dioses nos han dado, sufriremos terriblemente”


Partimos de un Dorian Gray , virginal, inocente y acabamos con un Dorian Gray que no soporta su propio “reflejo” al ver en su cuadro el reflejo verdadero de su alma. Tras haber vivido una vida de sensaciones y de placer , intenta matar a su conciencia y en ese momento se mata, apuñalando su propia imagen.

"Había momentos en que consideraba la maldad simplemente como un medio para llevar a la práctica su concepción del mundo".


El pintor Basilio Hallward, que idolatra la belleza física hasta el exceso, como la mayor parte de los pintores, muere a manos de una persona en cuya alma ha hecho nacer una monstruosa vanidad.

“Basil fue solo, como se había dispuesto, observando las luces de la pequeña berlina que tenía delante. Empezó a notar una extraña sensación de pérdida. Estaba seguro que Dorian Grey jamás volvería a ser para él todo lo que había sido en el pasado. La vida se había interpuesto entre ellos…Los ojos se le oscurecieron, las calles abarrotadas y brillantes se volvieron borrosas. Cuando el coche se detuvo ante el teatro, fue como si hubieran pasado varios años”


Lord Henry Wotton conducente y culpable de llevara a Dorian Gray a vivir una vida de cinismo y superficialidad, se propone únicamente ser espectador de la vida, pero acaba comprendiendo que aquellos que no intervienen en la batalla quedan heridos más hondamente que los que forman parte de ella.

“Los que aman sólo una vez en la vida si que son simples. Lo que ellos llaman lealtad y su fidelidad yo lo llamo letargo de la rutina”.


Por tanto sí es una obra profundamente moral, con importantes lecciones éticas en sí misma, sobre todo en cuanto a la limitación del placer y la libertad en la sociedad del siglo XIX.

“Sí hay una terrible moral en Dorian Gray, una moral que el hombre lleno de prejuicios no será nunca capaz de descubrir, pero que aparecerá claramente a todos los que tienen una inteligencia sana
¿Este es un error artístico?
Mucho me temo que sí
De hecho es el único error del libro” (Oscar Wilde, en su carta al Director del Saint James´s Gazette).

Por otro lado no cabe duda de que es una crítica a la opresora sociedad ya que El retrato de Dorian Gray es una novela llena de melancolía, en cuanto al mantenimiento y consecución de la eterna juventud, pero llena de vitalidad (la idea de vivir, de ser libre, de amar sin tapujos), estando muy presente, (aunque no de forma clara) la opresora sociedad.

“Estoy celoso de cualquier cosa cuya belleza no muera. Estoy celoso del retrato que me has hecho. ¿Por qué ha de conservar lo que yo debo perder? Cada momento que pasa me quita algo de mi y se lo da a él”.

Ahora sólo queda esperar a que la película esté a la altura de las circunstacias, difícil tarea por cierto.

Ciudad de vida y muerte

Ayer pude ver la película "Ciudad de vida y muerte". Hace no mucho ví "Acantilado Rojo", en su versión internacional. Se tratan ambas de películas chinas elaboradas con gran presupuesto. Ambas son, además, grandes películas y con pretensión, sin duda, de serlo.

La visión que hasta hace poco tenía del cine oriental era que, básicamente, consistía en una clase de películas francamente prescindibles. Siempre centrándose en temáticas no sólo muy duras sino, además, notablemente mezquinas. Ya saben: "dentista de Shangai entra en una relación sadomasoquista con una niña de 15 años que va al colegio con la hija de su ex-mujer" y similares. Estos filmes, para más inri, eran festejados con generosidad por los más destacados pedantes del panorama de la crítica cinematográfica. Pedantes, por cierto, que no lo son menos por ser "modestos".

Sin embargo tanto "Ciudad de vida y muerte" como "Acantilado Rojo" cuentan mucho y muy bien. Si se tratan de comprender, además, los inevitables manierismos de los orientales, se transmiten mensajes no sólo perfectamente comprensibles por un occidental sino que constituyen en cierta medida un rendido tributo a la historia del hombre. En estas películas aparecen retratados las principales miserias y virtudes de la humanidad sin, además, dejar un absurdo margen para la esperanza. Es realismo.

Siguiendo la estela de títulos como "Ciudad de Dios" o "Tropa de Elite", que daban un testimonio crudísimo de las "no-go areas" en el Brasil del ordem e progresso, "Ciudad de vida y muerte" hace lo propio con el traumático suceso de la "violación de Nanking". No se ahorran barbaridades al espectador y, como sucedia con "La lista de Schindler" o "El pianista", esto es una labor necesaria. Los millones de muertes son estadísticas y no está de más, de vez en cuando, dar una muestra en imágenes de lo que hubo detrás de los fríos números.

En "Ciudad de vida y muerte" hay muchos elementos del cine de holocausto, por llamarlo así, y también de película bélica. De muy buena película bélica, por cierto. Porque no recuerdo haber visto nunca una lucha callejera tan bien narrada. Tanto el uso de granadas como de los rifles de repetición se muestra de forma muy realista y alejada de los convencionalismos del cine de acción: que tantas veces presentan como igualmente eficaces ametralladoras, fusiles o pistolas o "gradúan", a efectos dramáticos, el alcance y efecto de las granadas de mano. Impecable.

Evidentemente, se muestra a los chinos como a unos héroes. Pero, asombrosamente, la película se centra fundamentalmente en un sargento del ejército imperial japonés que es una persona completamente normal y al que lo que se produce en Nanking le afecta como al que más. La masacre indiscriminada de prisioneros de guerra, las muertes sin sentido, las violaciones en masa, la tortura del alma humana y el procesamiento genocida de personas. Todo esto se muestra junto con la labor caritativa de unos occidentales (irónicamente encabezados por un nazi: único extranjero al que los japoneses respetan, por razones obvias) que intentan salvar a todos los chinos que pueden, sobre todo mujeres, del suplicio y segura muerte que los japoneses les reservan. La escala de la maldad japonesa volcada en la por entonces capital de la China nacionalista es tal (se habla de hasta 300.000 civiles chinos asesinados) que un chino ajusticiado en la película dice a su ejecutor, sonriendo antes de ser fusilado y consciente de lo que sucede: "Mi mujer está de nuevo embarazada".

Es de celebrar que desde China se esté comenzando a hacer un cine de gran calidad, presupuesto y con ambición de llegar hasta nosotros, los occidentales. Pese a los elementos patrióticos de "Ciudad de vida y muerte" (ese electrizante momento en que los soldados chinos, conscientes de estar a punto de ser asesinados en masa, comienzan a gritar "China no morirá nunca"), en realidad sorprende que en China se haga un cine que, evidentemente, muestra a la China del Kuomintang (que combatía ya por entonces a los chinos comunistas) en un sentido heroico, de reconocimiento. Realmente están cambiando las cosas en la China roja. Sin duda, la película molestará mucho a otros nacionalistas (los japoneses), que todavía niegan lo sucedido en Nanking.

Creo que es una película, en definitiva, que merece la pena. Deben, sin embargo, abstenerse las personas muy sensibles porque de verdad que es sobrecogedora: de una violencia verdaderamente terrible. Muy superior, por cierto, a otras películas sobre desastres colectivos en una ciudad como, por ejemplo, "Enemigo a las puertas". No hay margen en "Ciudad de vida y muerte" para sentimentalismos de escaparate ni para deus ex machina benevolentes. Y así es porque, como dice un protagonista: "A veces es más difícil vivir que morir".

Hay que verla, sin duda. Puede que algún día se haga una película semejante, desde China, pero sobre el gran salto hacia delante. A la vista de "Ciudad de vida y muerte", ese día está cada vez más cerca.

"Una muerte es una tragedia. Un millón es una estadística" Josif Stalin.

Las entrañas del monstruo

Percy Bysshe Shelley

Para el gran público Percy Bysshe Shelley es un gran desconocido, pero sin embargo fue uno de los grandes representantes del "romanticismo" inglés y uno de los grandes iconos de la literatura "gótica" si así se puede definir, de hecho una de sus grandes obras fue "Zastrozzi" (1810), en la que ya empezaba a despuntar la cosmovisión atea que más tarde le traería problemas. Admirado por mucho autores y literatos contemporáneos y otros posteriores como el reconocido Oscar Wilde, su obra sin embargo ha quedado acallada de manera incomprensible, o quizás no sea tanto así debido al éxito de su mujer con la afamada novela "Frankestein", que pasó a la posteridad como una de la grandes obras de la literatura universal.

Entre sus obras más famosas se encuentran "Ozymandias", "Oda al viento del Oeste", "A una alondra" y "La máscara de Anarquía". También es muy conocido por su asociación con otros escritores contemporáneos como John Keats y Lord Byron, así como por haber muerto, como estos últimos a una edad temprana.

Y como estos últimos también sufrió la "represión" o castigo por sus opiniones nada "políticamente correctas" sobre la religión y por el carácter subversivo y ostensiblemente burlesco de algunos de sus poemas.

Falleció en 1822 a la edad de 30 años.

Soy como un espíritu que mora

"Soy como un espíritu que mora en lo más hondo del corazón.

Siento sus sentimientos,

pienso sus pensamientos

y escucho las conversaciones más íntimas del alma,

la voz que sólo se oye en el rumor de la sangre, cuando el vaivén de los latidos

se asemeja al sosegado oleaje del océano estival.

He desatado la melodía dorada

de su alma profunda y me he zambullido en ella

y, como el águila en medio de la bruma y la tormenta,

he dejado que mis alas se adornasen con el fulgor de los rayos".

(Percy Bysshe Shelley)

Furia de Titanes

Ficha técnica:

Año: 2010

Director: Louis Leterrier

Guión: Phil Hay,Travis Beacham,Matt Manfredi
País: Reino Unido
Género: Acción
Edad: Mayores de 13 años

El sábado pasado, fui al cine con la intención de dar respuesta a la curiosidad suscitada por la publicidad de la película Furia de Titanes; la verdad es que estaba realmente ansiosa. El trailler promocional de la misma unía buena música, con imágenes realmente interesantes.

La base argumental de esta película es la adaptación del mito de Perseo (Mitología Griega), hijo de Zeus, padre de los dioses griegos. Perseo y su madre Dánae, son encerrados en un cofre por Acrisio, su abuelo, y arrojados al mar. Arrastrados por la corriente llegan a la isla de Sérifos, donde Perseo alcanza la madurez. Allí tendrá conocimiento de la misión de su vida y emprenderá un viaje, en el que tendrá que ir superando duras pruebas. Entre otras proezas, Perseo engañó a las grayas, tres viejas brujas que compartían un solo ojo, fue ayudado por las ninfas, atrapó y domesticó a Pegaso, el último de los caballos alados, acabó con la gorgona Medusa, capaz de petrificar a cualquier ser con la mirada y rescató a su amada Andrómeda de las garras de un temible monstruo marino.

Pero después de pagar y verla, quien estaba furiosa, no eran los “titantes” precisamente, sino yo misma. Realmente quede estupefacta, al observar que lo único que se puede salvar de ella es el trailler. He de felicitar a la empresa que lo confeccionó, porque ingeniería tuvo que hacer para lograr tal engaño sobre una película tan desastrosa. De hecho ya hace sospechar que la banda sonora del trailler no sea la misma que la de la propia película.

La cuestión es que de la susodicha nada se salva, ni el argumento, ni los guiones, ni la música. La película está totalmente hueca, carece de argumento, o al menos no está bien planteado, de repente aparecen unos “bichos enormes” y unos compañeros de viaje de Perseo a cada uno más particular. Los guiones parecen estar hechos por un niño de 5 años con frases que pretenden ser grandilocuentes y sentenciosas, y sin embargo quedan ridículas en un marco de una película de por si pequeña.

Claro está que si pretende ser un remake de su antecesora de los años 80 tampoco tiene mucho de donde tirar, pero para eso no hagas este insulto al bolsillo y a la inteligencia de los espectadores.

Tampoco salvaría la fotografía ni la ambientación, aunque a decir verdad los efectos especiales (en algunos casos) son buenos y seguro que vista en 3D al menos será llamativa sin duda.

El actor protagonista que para el gran público se hizo famoso por protagonizar AVATAR, el australiano Sam Worthington de nuevo nos demuestra lo que sabe hacer, es decir nada. Es inexpresivo y en su boca el rídiculo guión todavía queda más en evidencia.

Es decir, en conjunto la película es “cutre”, se respira casposidad a cada segundo, a cada pixel de la imagen. Una película que sólo le puede gustar a aquellas personas que tengan la preciosa cabecita tan hueca, como hueco está este"peliculón".

The Knife

Tell me my life is about to begin
Tell me that I am a hero,
Promise me all of your violent dreams
Light up your body with anger.
Now, in this ugly world
it is time to destroy all this evil.
Now, when I give the word
get ready to fight for your freedom
Now -

Stand up and fight, for you know we are right
We must strike at the lies
That have spread like disease through our minds.
Soon we'll have power, every soldier will rest
And we'll spread out our kindness
To all who our love now deserve.
Some of you are going to die -
Martyrs of course to the freedom that I shall provide.

I'll give you the names of those you must kill,
All must die with their children.
Carry their heads to the palace of old,
Hang them high, let the blood flow.
Now, in this ugly world
break all the chains around us,
Now, the crusade has begun
give us a land fit for heroes,
Now -

Stand up and fight, for you know we are right
We must strike at the lies
That have spread like disease through our minds.
Soon we'll have power, every soldier will rest
And we'll spread out our kindness
To all who our love now deserve.
Some of you are going to die -
Martyrs of course to the freedom that I shall provide.

We are only wanting freedom
We are only wanting freedom
We are only wanting freedom
We are only wanting freedom ("Freedom, freedom, freedom, freedom...")
We are only wanting freedom ("Things are getting out of control here today")
We are only wanting freedom ("OK men - fire over their heads!")
We are only wanting freedom

--- WE HAVE WON ---

Some of you are going to die,
Martyrs of course to the freedom that I shall provide.